On retiendra:

• Deux airs du trouble amoureux: le premier de Belmonte ("Es glüht mir die Wange...." l'imagination de Mozart est inépuisable dès qu'il s'agit de décrire l'excitation amoureuse, avec palpitations et manifestations somatiques) et le premier air de Konstanze (la tenue des vents au début de l'air, comme le souvenir persistant du bonheur ancien; l'exposition de la forme sonate qui épouse l'histoire -agitée - de l'héroïne; l'hétérogénéité classique et non baroque du discours, et, une fois encore, l'imagination sans limites de Mozart)
• Le plus beau des airs sérieux de cet opéra, Martern aller Arten. Bonne idée de faire monter sur scène le quatuor chambriste, violon, violoncelle et hautbois (quintette si l'on inclut la chanteuse, à la virtuosité instrumentale).
• L'air de Pedrillo, avec son mélange bizarre de bravache militaire et de tremblements (en triolets). Jordan impose de longs silences et fait très bien ressortir les points d'orgue, un ingrédient-clé du portrait d'un froussard.
• La longue et magnifique séquence de la fin du second acte: joie des retrouvailles, puis mise à l'épreuve par une série de changements de tempos, de tonalités.

Un week-end dernier bien occupé:

* Présences 1: Hérédo-ribotes, de Fabien Lévy. C'est l'alto qui propose à l'orchestre (51 solistes) de jouer à partir d'un matériau en modes de jeu. Une oeuvre ambitieuse (avec des cors aux balcons qui font tourner le son), mais je trouve les moments contemplatifs moins aboutis que dans A propos. La critique semble avoir bien aimé. Au programme du même concert: Henze, Widmann (une oeuvre romantique pour clarinette et orchestre) et Schneller (très éclectique et plaisant à écouter). 

* Présences 3: Après tout, toujours de Fabien Lévy. Sonne comme un grand oratorio, mais il n'ya que 6 solistes (les Neue Vocalsolisten, qui chantent cette partition avec une aisance déconcertante) et 6 instrumentistes (et une bande électronique qui se mélange très bien aux instruments; les crépitements façon années 40 étant une part importante d'une riche texture bruitiste). Grand impact des textes, plus faciles à suivre en concert avec les sous-titres qu'à la radio (Jankelevitch au Masque et la Plume, la lettre de Raweling à Jankelevitch; la réponse de Jankelevitch). Mes moments préférés: les chorals de la 1ère partie, avec la voix de coloratura qui colore le tout; le vent du début et de la fin; le théâtre musical du début de la 3ième partie (ce jeu sur vergeben/ vergebens avec le s qui dure....)

* La Fanciulla del West. L'acte I (dans le bar) est un peu languissant (malgré une valse - chorale- dans l'opéra; le psaume 51). L'acte II est beaucoup plus palpitant  et l'acte III n'est pas loin d'être un chef d'oeuvre (les derniers mots d'un condamné, une musique que je trouve extraordinaire, hybridation de la Cathédrale engloutie et du grand opéra italien). Gammes par tons, enchaînement d'accords parfaits, rythmique à la Billy The Kid, une partition exotique et éclectique. Mise en scène pertinente et beaucoup moins fofolle qu'attendu (Lenhoff n'est pas Langhoff).

La scène de chaleur avec harpe et timbales obsédantes; la passacaille avec Is it all?, et la fin 

Déçu par la mise en scène, costumes moches et chanteurs jouant très mal (la bagarre des officiers....), rien à voir avec l'engagement et la fraîcheur des chanteurs du Conservatoire il y a quelques années. Ce n'est sans doute pas un hasard si les personnages de l'histoire sont figés; après tout, le sujet de l'opéra (le viol et l'attitude un peu ambigüe de Lucrèce qui explique son suicide) est irrépresentable, et Britten a souhaité tourner autour du pot en donnant la part belle au Choeur Homme, qui dit voir cette histoire préchrétienne avec les yeux du Christ. Ce personnage, le plus vivant et expressif de l'opéra, a sans doute les plus beaux moments musicaux de la partition (la chevauchée, les deux prologues); pas vraiment une surprise si Britten avait réservé ce rôle à Pears.

* Les Puritains à la Bastille. Un livret que l'invention des téléphones portables aurait ruiné (avec un SMS du type "chérie, je sors trois minutes sauver la reine, attends-moi, on ira se marier après", on n'aurait eu qu'une petite demi-heure de bel canto). Apothéose du plateau tournant (oh! un gorgonzola! oh! un parmesan! oh, un provolone piquant). Au second acte, ça tourne, mais à vide: il ne reste que les chanteurs immobiles sur le plateau tournant dans une lumière froide, c'est vraiment Holiday on ice. La musique n'est ni déplaisante ni mal chantée, mais il ne m'en reste aucun souvenir (sauf peut-être cet air au 2ième acte, qui forme un contraste saisissant avec ce qui précède). 

* Quatuor Keller au Musée d'Orsay. Un quatuor de Kodaly que je ne connaisais pas (beau 1er mouvement, le reste est impressionnant mais très décousu); le 1er de Ligeti (un château de Barbe-bleue à 16 portes, dont certaines claquent plus que d'autres; je suis toujours inconditionnel du moment Enfant et sortilèges); plusieurs des duos de Bartok (peut-être le moment le plus fort de la soirée); le 4ième de Bartok (celui aux deux scherzos; je retiens que l'altiste fait les pizz solo avec le pouce et les pizz d'accompagnement avec l'index). Un brin déçu par rapport aux Kelemen. 

* Les espaces acoustiques, de Grisey, à la Cité de la Musique. Un projet ambitieux, six pièces allant du solo d'alto au très grand orchestre, avec de nombreuses correspondances entre les pièces. Pas vraiment emballé par les 3 premières pièces (trop long, le solo d'alto; trop potache, le théâtre musical de la fin de Partiels). La magie opère plus sûrement avec les pièces à grand orchestre, notamment Transitoires (avec les incroyables coups de boutoir de la contrebasse solo!), et l'épilogue avec 4 cors. Add: ceci sur Partiels

* Dialogues des carmélites, au TCE. Olivier Py a eu deux belles idées de mise en scène pour les scènes d'agonie. Celle de la fin, un nocturne d'une grande douceur, est au sens premier la concrétisation de l'étrange songe de Constance (avec sa musique de sauts d'octave descendants). L'autre scène avec madame de Croissy (pas idéale vocalement) rappelle autant la crucifixion que la guillotine. Petibon et Devieilhe (qui remplaçait Piau) ont été magnifiques, mais je n'ai eu d'yeux et d'oreilles que pour Véronique Gens en madame Lidoine. La voix de l'amour.... l'envers aimant de cette mère Marie de l'Incarnation, orgueilleuse et dure, qui manque à l'appel, à la fin.

Livret classique, dans le plus pur style opéra-comique (avec quelques maniérismes un peu pénibles): dans cette nouvelle aventure, Golaud se venge en donnant à manger à Mélisande le coeur de Pelléas, un contreténor qui enlumine LE livre et embobine tout le monde avec son air de ne pas y toucher. Décollage un peu poussif, mais on finit par rentrer dans l'histoire. Orchestre chatoyant avec les les cuivres bouchés que l'on aime tant chez Benjamin, et en guest stars, des bongos, une viole d'amour et un glassharmonika. Magnifique trio de solistes (Hannigan/ Purves/ Davies).

On retiendra (tant pis si c'est anecdotique):

ceci pour la tension rythmique (une musique de bastringue bien acide)

ceci à 3'40" quelques mesures parfaites: les cordes divisées (le désir) puis une consonance qui s'évanouit vers l'aigü (comme la musique qui accompagne curieusement l'orgasme de la fin du 1er acte (Love is an act, vers 7'-7'30'')). Ce moment révélateur où le Protecteur se rend compte que le désir de sa femme a changé et s'exprime dans une étonnante crudité. 

ceci pour l'utilisation des bongos et des percussions (un discours haché comme un steak, avant l'ingestion du coeur, sucré et salé)

le moment où la musique se vitrifie avec le glassharmonika, pendant la chute au ralenti de l'héroïne (l'extrême fin de l'opéra est aussi très remarquable).

Aussi (et mieux): ici

Toujours la même chose chez Gluck, on reconnaît l'intensité des émotions, mais les émotions musicales sont disjointes de celles suscitées par la tragédie. Il y a au moins dans cette production une scène de suspense palpitant et d'émotion non contaminée par l'ironie: celle où Admète essaie en vain de faire parler son épouse poursuivie par la Mort qu'il ne voit pas. La fin (*spoiler*) avec l'enfer de la fosse d'orchestre béant est très bien aussi (mais un Hercule de foire vient casser l'émotion). On se souviendra peut-être de ceci:

* un air de jardin des délices (presque aussi idyllique que celui d'Orphée)

* de beaux morceaux d'orchestre (l'ouverture et une chaconne que Minkowski déplace en début d'acte)

* le ballet du 2nd acte

* les graves dangereux des Divinités du Styx

* le finale du 2nd acte (Oh! que le songe de ma vie Avec rapidité s’enfuit, Comme la fleur épanouie, Qu’un souffle des autans flétrit)

Ce qui est prodigieux (et que j'ai mis bien du temps à comprendre hier) dans ce Hier sitz' ich zur Wacht, c'est ce mélange entre deux horloges. Celle du chanteur et des cuivres (binaire, héroïque bien que lente) et celle des cordes, ce halètement ternaire qui ne tombe jamais sur les débuts de mesures et brouille la stabilité de l'édifice (6 noires dans une mesure à 12/8 qui se superpose au 4/4 des autres, voir p. 154 et suivantes ici). Mélange subtil d'inquiétude et de permanence. Une idée de génie pour caractériser celui que Wagner voyait comme un animal antédiluvien.

Encore une Walkyrie. 

(Décidément, je rate lamentablement tous les tests élémentaires d'admission dans la secte famille wagnérienne: par exemple, je suis incapable de rester éveillé pendant ce 2ième acte, en particulier pendant la scène de ménage Wotan-Fricka (car enfin, ce mariage - celui de Sieglinde et Hunding, contracté sous la menace - n'a aucune validité et ne mérite pas d'être défendu pendant 20 bonnes minutes) et, pire encore, puisqu'il paraît que c'est une scène qu'il faut admirer, pendant le long récit de Wotan à Brünnhilde. Le seul moment qui me sort de ma torpeur est ce solo de clarinette basse qui annonce la naissance de mon méchant favori, Hagen - une Annonciation plus prometteuse que l'extase de Sieglinde au début de l'acte III. Vivement le Crépuscule, qu'on en finisse.) 

Un grand opéra de Moussorgsky jamais vu jusqu'ici, ne boudons pas notre grande joie. Retenons que spasiba signifie aussi "Dieu vous garde" et souvenons-nous de ceci:

• Acte I. Le prélude (sublime solo de clarinette). La grande scène entre le scribe (un intellectuel, forcément ridicule) et le boyard manipulateur (ça gargouille avec des enchainements harmoniques sépulcraux aux cuivres, en sous-main; je fonds). L'irruption d'une allemande luthérienne (forcément l'Antéchrist, rythmique échevelée et lyrisme à la Verdi) qui rend fou un prince russe (qui lui court après comme un chien de cartoon). L'extraordinaire fin de l'acte (avec les cloches: fa# + accord de do). Les vieux-croyants ne vont peut-être pas gagner la bataille mais Moussorgsky leur donne la plus belle musique. 
• Acte II: le trio de ceux qui vont perdre: Golitsine (un réformateur, amant de la tsarine, paranoïaque), Khovanski (le chef des milices des archers, les streltsy) et Dosifei (le chef des vieux-croyants). Musicalement, le plus beau moment est, je trouve,  le numéro de divination de Marfa.
• Acte III (chez les vieux-croyants): la chanson de Marfa, la réplique de la mère supérieure. L'air de Chaklovity (pendant lequel j'ai dormi). L'air de Kouzka (l'homme à la balalaïka).
• Acte IV (la liquidation des streltsy): celui avec des danses persanes très peu exotiques et très peu colorées. On se réveille quand un boyard reprend d'un ton sarcastique le chant des suivantes qu'il vient d'interrompre après avoir assassiné le maître de maison (qui ne chante pas très bien, il faut l'avouer).
• Acte V (la mort des vieux-croyants): celui avec le motif à croches continues à l'unisson (il faudra que j'analyse un jour comment un flux continu de croches suffit à me mettre en transes). Beau choeur final, mais je préfère tout de même et de très loin cette version-ci, que je comprends avoir été réécrite par Stravinsky.

Médée puis ce David et Jonathas, quelle aubaine: ce qui restera pour moi l'année Charpentier se prolonge avec ce bel opéra que je ne connaissais pas du tout, et que je ne peux pas tout de suite réécouter: il n'y a plus d'enregistrements à ma FNAC du coin et je ne le trouve pas davantage sur Spotify. Ce que je réécouterai quand j'aurai l'enregistrement:

• "Non, non le reste de la Terre N’eust point couté plus d'efforts à son bras". les choeurs du 1er acte, proprement somptueux.
• les airs de l'humeur noire, l'une des spécialités de Charpentier: le plus beau est sans doute celui de Jonathas, acte IV, mais l'air de David, acte I est aussi poignant.
• l'extraordinaire scène de l'acte III où David essaie de fléchir Saül (avec les flûtes par deux, sans doute l'attribut de l'innocence - ou une couleur pastorale pour évoquer l'ancien berger, aux antipodes de ce qu'on imagine d'un guerrier).

Il y aurait beaucoup à dire sur le talent de coloriste de Charpentier, la façon dont il utilise les hautbois, les bassons, les cordes graves (qui accompagnent l'oracle de Samuel); la caractérisation des personnages par les couleurs de voix: la voix à la fois virile et aigüe de David (magnifique Pascal Charbonneau, un engagement dramatique comme on en voit peu et une belle prise de risques), celle, cristalline et encore un pied dans l'enfance, de Jonathas (Ana Quintans, très bien aussi).

Ce qui rend Charpentier si vital par rapport à Lully ou même Rameau, c'est sa façon d'aller droit au but, de ne pas biaiser avec le noeud tragique; comme chez Monteverdi, les (nombreuses) scènes de genre sont contaminées par l'action (comme le beau choeur final).

Cette production a fait le choix de placer le prologue (la prédiction de Samuel) au centre de l'action. Cela met au centre deux actes marqués par la folie (la fureur) de Saül, un personnage submergé par une haine qu'il est incapable de contrôler, enserrant deux fois deux actes plus centrés sur David et Jonathas, version ascendante puis descendante (dont l'histoire de Sevrais et Souplier sera un écho lointain). Le choix (*spoiler*) de faire de la mort de la mère de Jonathas le noeud du drame m'a semblé gratuit, mais je ne vais pas bouder mon plaisir tant la direction d'acteurs était vivante et en phase avec la variété sans cesse renouvelée de la musique de Charpentier.